Une femme porte la guerre en elle. Dans sa tête les soldats avancent, piétinant tout sur leur passage. Telle une pietà, elle pleure son fils, son frère. De sa douleur et du sang de l'homme mort au combat surgit une armée de femmes, puissante colonne drapée dans la foi et la révolte. La soif de justice devient soif de vengeance. Le corps de la femme est une arme, sa robe une armure. Celle qui jadis donnait la vie donnera la mort.
Michèle Cournoyer est l'un des grands noms du cinéma d'animation au Canada. Après avoir évolué de façon indépendante pendant plusieurs années, période durant laquelle elle signe six films d'inspiration dadaïste, elle entre à l'ONF au début de la décennie 1990. Les quatre premiers films qu'elle y réalise cumulent un total de 27 prix internationaux. Son style percutant et sensible dominé par la métamorphose s'affine au cours de cette période. Le tragique ayant succédé à l'humour de ses premières réalisations, cette nouvelle direction est palpable dès 1988 avec Dolorosa, son dernier film indépendant, et confirmée avec La basse cour (1992) et Une artiste (1994).
À partir de Chapeau (1999), qui aborde crûment le thème de l'inceste, elle délaisse la rotoscopie et l'image composite au profit d'un dessin gestuel exécuté à l'encre sur papier. Présenté en compétition au Festival de Cannes, Accordéon aborde les relations amoureuses à l'ère de la médiation technologique. Avec Robe de guerre, la cinéaste pose de nouveau un regard spécifiquement féminin sur un thème lié à l'actualité.
Lettres à Madeleine d’Apollinaire, Histoires de guerre et d’intimité de Moravia, L’Attentat de Yasmina Khadra, Insoumise d’Ayaan Hirsi Ali, Shahidas : Femmes kamikazes de Palestine de Barbara Victor, Du corps en Islam de Malek Chebel, La Femme eunuque de Germaine Greer, Exquisite corpse (cadavres exquis des surréalistes) Mark Nelson et Sarah Hudson Bayliss.
Les amants de Sarajevo de Marcel Hanoun, Apocalypse Now de Coppola, Hiroshima mon amour et Nuit et brouillard de Resnais, Letters from Iwo Jima d’Eastwood, Le métro – Chant et danse du monde inanimé de Pierre Hébert
L’exposition Le monde du corps, de Gunther von Hagens, Man Ray la série de photos sur le thème de la prière.
René Chénier est diplômé en communication et arts de l’Université Concordia. Homme de cinéma (régisseur, directeur de production, producteur délégué et producteur), il a dirigé sa propre maison de production, Arico Film Communication, avant de joindre le Studio Animation et Jeunesse de l’ONF en 2006. Comme producteur indépendant, René Chénier a notamment signé le réputé conte musical Hugo et le Dragon, de Philippe Baylaucq, qui a remporté plusieurs prix dont celui de la meilleure production francophone indépendante au Canada (Prix Téléfilm Canada – Festival de télévision de Banff 2002) et le prix Gémeaux pour la meilleure réalisation – émission ou série jeunesse, en 2002. Il a été producteur de la série Et Dieu créa Laflaque, un concept de Serge Chapleau (Prix Rockie, meilleure comédie, au Festival de télévision de Banff). Il a entre autres été régisseur sur Fantastica de Gilles Carle et premier assistant réalisateur sur Sonatine de Micheline Lanctôt, puis directeur de production notamment sur Un zoo la nuit de Jean-Claude Lauzon, Sous les draps les étoiles de Jean-Pierre Gariépy, Une épopée en Amérique de Gilles Carle et Souvenirs intimes de Jean Beaudin. Il a également été producteur délégué de 15 février 1839 de Pierre Falardeau, producteur délégué pour The Favourite Game de Bernar Hébert et producteur de Ce qu’il faut pour vivre de Benoit Pilon. Récemment, à l’ONF, il a produit le dernier film de Michèle Cournoyer, Robe de guerre.
Au sein de l’Office national du film du Canada depuis vingt ans, Michèle Bélanger a acquis une vaste expertise de la distribution de films documentaires et d’animation avant de passer à la production. De 2002 à 2007, elle a travaillé en tant que productrice au studio Animation et Jeunesse et y a produit des sites Internet jeunesse, dont plusieurs ont remporté des distinctions, de même que des courts métrages d’auteur. Citons Antagonia (2002), de Nicolas Brault, lauréat de l’édition 2000 du concours Cinéaste recherché(e) et Îlot (2003), son deuxième film. Elle a également signé la dernière production du cinéaste chevronné Co Hoedeman, Le théâtre de Marianne (2004), celle de Patrick Bouchard, Dehors novembre (2004), celle de Catherine Arcand, Cauchemar à l’école, celle de Nicolas Brault, Hungu, de même que celle de Michèle Cournoyer, Robe de guerre. Toujours su Studio Animation et Jeunesse, elle a occupé le poste de productrice exécutive par intérim de 2005 à 2006 avant de se voir confier en 2007 le poste de conseillère à la programmation à la Direction du programme français.
Auteur de plusieurs livres sur le cinéma québécois et le cinéma d’animation, critique reconnu et réalisateur de courts métrages et de documentaires, Marcel Jean prend la direction du Studio d’Animation du Programme français de l’Office national du film du Canada en 1999. À ce titre, il produit plusieurs films reconnus internationalement : Âme noire de Martine Chartrand (gagnant de vingt-deux prix dont l’Ours d’or à Berlin), Les ramoneurs cérébraux de Patrick Bouchard (2002, gagnant de cinq prix), Nuit d’orage de Michèle Lemieux (2003, gagnant de douze prix dont l’Ours de cristal à Berlin), Accordéon de Michèle Cournoyer (2004, présenté en compétition au Festival de Cannes, primé à Leipzig et à Dresde), Isabelle au bois dormant de Claude Cloutier (2007, gagnant de 11 prix). Marcel Jean défend aussi une dynamique politique de coproduction internationale, qui l’amène à coproduire des films du Norvégien Pjotr Sapegin (Aria, 2001, dix fois primé; À travers mes grosses lunettes, 2004, douze récompenses), du Danois Lejf Marcussen (Angeli, 2002, primé à Zagreb), du Portugais Abi Feijo (Clandestino, 2000, huit prix), du Suisse Georges Schwizgebel (L’homme sans ombre, 2004, douze fois primé; Jeu, 2006, primé à Hiroshima et à Ottawa) et du Français Philippe Jullien (Ruzz et Ben, 2005). Sous sa gouverne, l’ONF s’associe au studio français Folimage dans le cadre de la résidence pour cinéastes d’animation. Ainsi, il coproduit notamment François le Vaillant de Carles Porta Garcia (2002, quatre fois récompensé), Circuit marine d’Isabelle Favez (2003, cinq prix) et Histoire tragique avec fin heureuse (2005, gagnant de plusieurs prix dont le Cristal d’Annecy).
Marcel Jean quitte l’Office national du film du Canada en 2005 et fonde sa propre compagnie de production.
Les premières images me sont apparues alors que je participais, en 2004, au Festival international du film d’animation de Zagreb, en Croatie. Ce pays de l’ex-Yougoslavie portait encore des cicatrices de la guerre qui avait fait rage dans les années 1990. Le voyage m’a inspiré un film présentant le corps féminin – une femme blessée, une « femme-ruine » – comme un champ de bataille. J’avais le sentiment d’avoir trouvé un sujet.
Les premières images me sont apparues alors que je participais, en 2004, au Festival international du film d’animation de Zagreb, en Croatie. Ce pays de l’ex-Yougoslavie portait encore des cicatrices de la guerre qui avait fait rage dans les années 1990. Le voyage m’a inspiré un film présentant le corps féminin – une femme blessée, une « femme-ruine » – comme un champ de bataille. J’avais le sentiment d’avoir trouvé un sujet.
Puis une nuit, dans un sommeil éveillé, les draps de mon lit m’ont enveloppée comme un voile noir. Je sentis mes paupières devenir casques de soldat. Le ventilateur du plafond s’est changé en hélice d’hélicoptère. Ma chambre s’est transformée en un champ de bataille. Beaucoup de mes films sont nés à partir de visions et de rêves.
Mon film est une évocation de la guerre, j’ai senti le besoin de m’alimenter tout au long du film. Je me suis surtout inspirée des gestes et rituels de la prière musulmane et universelle pour qu’ils appartiennent aux mains de la jeune femme. Peu à peu la séquence de la guerre s’est construite. Les doigts de la femme en prière sont devenus soldats. Ils meurent au combat dans les mains jointes de la femme voilée.
Dans les deux films, ces femmes ont subi une blessure qui mène à l’autodestruction. La danseuse du Chapeau est victime d’inceste, la femme voilée pleure son enfant mort dans ses bras. Il y a toutefois une différence dans le fait que la femme de Robe de guerre n’ouvre jamais les yeux. Elle prie. La guerre se déroule en elle, dans son corps et son cœur. Je vois Robe de guerre comme un film sur l’extase, le deuil, le lavage de cerveau, le désespoir, la terreur et la détresse. En se faisant martyre, cette femme devient l’égale de l’homme en explosant. On lui promet une vie meilleure, puisqu’elle n’a pas de vie.
Le film me permet de renouer avec la notion de costume. Dans Le chapeau, je me servais d’un chapeau pour masquer le visage masculin. La nudité de la danseuse y était aussi présentée comme un costume de scène. Le tchador, dans mon dernier film, cache tout le corps de la femme, sauf son visage et ses mains. Les bâtons de dynamite autour du corps de mon personnage ont l’apparence d’un corset. C’est lorsqu’elle se suicide que cette femme se dévoile.
Robes of War, le titre du film en anglais, fait référence à un costume ornemental religieux des macchabées dans la bible hébraïque et l'Histoire sainte. C’est aussi une tunique utilisée pour les rituels : un juge revêt une robe noire, un prêtre la chasuble, un condamné à mort une cagoule.
Les personnages sont souvent cachés dans des boîtes d’ordinateur. Les pulsions amoureuses passent essentiellement à travers les fils des réseaux informatiques. C’est un film sur l’incommunicabilité, plus mystérieux – il a aussi été qualifié de radical. Avec Robe de guerre, je renoue cette fois avec une intention plus narrative.
L’esthétisme graphique s’est imposé rapidement. La femme est habillée de guerre. Elle est la guerre. Elle est revêtue d’un tchador noir des pieds à la tête. Le drame est centré sur elle et autour de son voile noir. Le noir est toujours présent et en métamorphose constante. Au début, il est la nuit, il devient voile, tchador, goutte de sang, armée de femmes voilées et char d’assaut. À la fin, il voile l’écran pour exprimer la destruction, le néant et les ténèbres.
Le choix musical révèle clairement mon point de vue de femme occidentale avec une éducation chrétienne. J’ai été élevée dans un environnement très marqué par le catholicisme. Pensionnaire dans un couvent, je portais toujours un voile pour assister à la messe. Sur les murs de la chapelle, était accroché en évidence le chemin de croix sculpté en bas-relief des quatorze stations, dont la Piéta. Pendant les études du catéchisme, le soir, j’entendais une religieuse jouer de l’orgue. La vie était imprégnée de religiosité. J’étais impressionnée par le sort réservé aux « Saints Martyrs canadiens »
Le désir d’utiliser l’orgue dans mon film s’est manifesté assez tôt. J’ai été envoûtée par le son des grandes orgues de l’Oratoire Saint-Joseph dans la Symphonie du millénaire que Walter Boudreau a composée pour l’an 2000. J’ai toujours suivi la carrière de Walter, que j’ai connu dans les années 1960. Mon producteur et moi avons donc décidé de faire appel à son talent. Après avoir vu les animations préliminaires, il a dit : « J’entends une partita à l’orgue du début à la fin. » Il a marié sa musique avec mon animation. La musique de Walter est divine et grandiose. L’orgue romantique met l’accent sur la prière, le recueillement et la dévotion; il intensifie aussi la douleur, la terreur et les conséquences du geste que le personnage s’apprête à poser. L'orgue est un orchestre en soi : il sert de dialogue, comme au temps des films muets.
Dans la séquence de Robe de guerre, qui montre la femme devenant un char d’assaut, un canon phallique érotique insolite s’élève vers le ciel et crie sa révolte avec de la fumée.
L’humour noir souligne l’absurdité et la cruauté de la guerre sans aucune censure. À la manière des surréalistes, pour la même séquence, j’ai procédé par automatisme psychique pur. J’ai d’abord dessiné la femme en prière. En l’animant, elle s’est multipliée, comme par magie, en plusieurs femmes voilées alignées comme une armée de soldats en uniforme. Puis les femmes en noir sont devenues de plus en plus petites. Elles se sont mises à tourner et à ma grande surprise, elles sont devenues chenilles, jambes à genoux de la femme char d’assaut. Un pansement est apparu et a recouvert ses blessures peu à peu dans l’action. C’est une femme blessée.
Dessiné à l'encre de Chine sur papier, ce film d'animation de Michèle Cournoyer est un poème visuel, une méditation sur la guerre.
Production Office national du film du Canada © 2009 Tous droits réservés
